COMPOSICIÓN Y ORGANIZACIÓN DE ELEMENTOS GRÁFICOS

Un diseño gráfico implica organizar la información de los distintos

elementos que componen la expresión visual, tratando de

hacer comprensible el mensaje a la vez que atractivo. En diseño

hay que estar familiarizado con los principios universales que rigen

la organización espacial, tanto del plano bidimensional como

del ámbito tridimensional. Son cuestiones que garantizan el buen

funcionamiento de la composición con el fin de conseguir los propósitos

básicos de la comunicación visual: captar la atención y

comunicar el mensaje con claridad y sin interferencias. Dentro del

amplio espectro de culturas, no siempre se cumplen estos principios

ni siempre son claros los mensajes; por eso, lo habitual es

considerar algunos mecanismos fundamentales que sirvan de guía

para desarrollar un diseño con cierta calidad. A partir de aquí, y en

nuestra cultura occidental, cada individuo puede ser capaz de

generar muchas y novedosas ideas a través de su capacidad creativa.

LA COMPOSICIÓN Y LOS ELEMENTOS GRÁFICOS

En nuestra sociedad, la lectura se produce de izquierda a

derecha y de arriba abajo, y este modo de establecer contacto

visual con el plano influirá, sin lugar a dudas, en los factores que

se disponen para que el mensaje alcance su finalidad. Así, en una

determinada composición, algunos de los elementos gráficos

(ilustraciones, color, texto, etc.) tendrán mayor o menor potencia

visual según la ubicación que se asigne respecto a los demás y

respecto al conjunto: los situados a la derecha poseen un mayor

peso visual y provocan una sensación de avance hacia el

espectador, mientras que los que se sitúan a la izquierda

acentuarán un retroceso y tendrán una mayor ligereza.

Pero también pasa algo similar con la ubicación de elementos

en la parte superior, que resultará más ligera, frente a la inferior, que

dará una mayor sensación de pesadez. Sin embargo, estas sencillas

pautas se pueden contradecir o contrarrestar según el tamaño,

la forma, la textura o el color de los distintos elementos que entran

en el juego compositivo, con el objetivo de equilibrar la expresión

del conjunto, tal como se verá más adelante.

En todo caso, más allá de las leyes que organizan

el espacio en una composición, lo primero

que se debe elegir en un diseño son todos los elementos

que aparecerán en él. Desde un principio

hay que determinar qué elementos son necesarios

y cuáles son prescindibles, qué posición ocuparán

y cómo se distribuirán sobre la superficie disponible.

Dichos elementos son: líneas, letras, bloques

de texto, imágenes, fondos y formas y, por último,

textura, tamaño y valor.

LÍNEAS

Las líneas se pueden utilizar de múltiples maneras

en una composición, ayudando a organizar

la información. Pueden dirigir el ojo del espectador

a distintas zonas del conjunto y llamar la atención

sobre un lugar concreto, influir sobre el estado de

ánimo, generar un ritmo de lectura, jerarquizar y

definir el resto de elementos, y también delimitar

partes del diseño.

LETRAS

Los tipos de letra son a los ojos como los distintos

tipos de voz al lenguaje hablado, con una

influencia decisiva en el mensaje, aun cuando en

principio parecen pasar desapercibidos. Su elección

está guiada por criterios estéticos y por factores

emotivos, aunque, sobre todo, por razones de

legibilidad (reconocimiento). Al igual que con el resto

de elementos gráficos, lo importante es aprovechar

el máximo partido mediante el conocimiento

de las distintas alternativas y la buena elección del

elemento más adecuado para cada situación.

Las portadas de cualquier revista están

sujetas a principios compositivos que tratan

de equilibrar el texto con la imagen y los

colores para estructurar el mensaje y atraer

al espectador mediante efectos variados.

BLOQUES DE TEXTO

Cuando las letras componen un texto, más que

un título o un nombre, en su conjunto forman una masa

visual que debe cumplir el máximo criterio de legibilidad

(reconocimiento y comprensión de la lectura). En

estos se considera no sólo la capacidad comunicativa

del contenido, sino también el interletrado, el interlineado,

la justificación, el tamaño y el tipo, además del número

de columnas y otros factores que proporcionarán

mayor o menor dinamismo o expresividad al conjunto.

IMÁGENES

A menudo, el diseño se basa en la yuxtaposición

de palabras e imágenes (fotos, dibujos, ilustraciones)

que complementan su dimensión informativa y estética.

Las imágenes tienen la capacidad de transformar el

potencial comunicativo del diseño gráfico: su utilización

o su omisión determinará profundamente el sentido del

mensaje; la elección de la imagen podrá mejorar, en

todo caso, la comprensión del contenido. Debido a la

infinitud de posibilidades expresivas, cada imagen posee

una direccionalidad y un peso visual que determina

su colocación en la composición influyendo en el

resto de elementos con el fin de atraer y mantener la

atención del espectador. El predominio de un color, el

contraste, la saturación, etc. de las imágenes, son capaces

de provocar distintos efectos y sensaciones sobre

los espectadores, y, por ello, su elección puede contribuir

a enfatizar lo que se pretende mostrar.

Por ejemplo, en las tres cubiertas de novela, bajo

estas líneas, la fuerza visual de las imágenes se debe

a que destacan sobre un fondo claro pero, sobre todo a

la elección de éstas y al juego de asociaciones de ideas

que muestra con gran efectismo. La tipografía y su organización

hacen el resto ( cubiertas diseñadas por Daniel

Gil para Alianza Editorial, entre 1965 y 1969).

Las letras y los bloques de texto ofrecen la información

necesaria para comunicar el mensaje. La elección de la

tipografía, de su color y tamaño, o su disposición en el

plano son cuestiones fundamentales que determinan la

importancia jerárquica del contenido, la legibilidad o la

expresión visual que se pretenda en cada caso. No será lo

mismo una portada de un periódico que una portada de

novela, pues en el primer caso se trata de informar con

muchas novedades cotidianas, y en el segundo caso, ofrecer

una información basada en un título, un autor y la

editorial que lo promueve.

FONDOS Y FORMAS

• ZONAS BLANCAS: la expresión a través del espacio en blanco

supone organizar un vacío al que estamos acostumbrados

por escribir sobre papel blanco. Las zonas blancas añaden

calidad, funcionalidad y claridad en el espacio compositivo. Aumentan

la legibilidad, resaltan las formas y, si se estructuran

con equilibrio junto a otros elementos o fondos de color, mejoran

la visión del conjunto.

• ZONAS DE COLORES: un fondo distinto del blanco añade

variedad al diseño, contribuye a realzar el texto cuando se elige

el color adecuado del mismo y facilita la delimitación del

bloque de lectura. Mediante el conocimiento de las propiedades

simbólicas y psicológicas del color, así como sus características

principales, las posibilidades de expresión son muy amplias

y dan lugar a recursos muy útiles para transmitir determinados

mensajes: pueden crear énfasis, marcar la estructura,

determinar la jerarquía, definir la dirección, llamar la atención

o provocar atracción. Su aportación estará condicionada por el

número de colores empleados y las combinaciones realizadas.

TEXTURA, TAMAÑO Y VALOR

La textura aporta sensaciones que influyen en la percepción

de los demás elementos, pues, al igual que el color, pueden realzar

zonas de lectura o puntos de atención, estructuran el diseño y

pueden estimular sensaciones táctiles y estados de ánimo. La ilusión

de textura se puede realizar también como un patrón de repetición

de motivos variados que aporten dinamismo visual a las

superficies. En cuanto al tamaño, las dimensiones de las zonas o

de cualquiera de los elementos gráficos influye notablemente en

la atención del individuo, y determina el orden jerárquico de la

visión del diseño. A través del contraste o de los valores se amplían

las posibilidades expresivas de la composición gráfica, ya

que la mayor o menor claridad de los elementos supone una distinción

que ayuda a comprender el mensaje y a establecer un orden

necesario.

PRINCIPIOS COMPOSITIVOS

La experiencia visual es dinámica y la mente organiza toda

la información percibida, no como elementos independientes, sino

como tensiones que surgen de las relaciones y variaciones de

tamaño, forma, ubicación o color de cada objeto. En una composición,

los elementos dependen unos de otros y el cambio de forma

o de color de uno puede trastocar la visión de conjunto: los elementos

así organizados deben constituir un todo y no la suma de

sus partes para que el mensaje sea claro y comprensible. Tanto

en las artes visuales, como en el diseño gráfico, existen unos principios

que contribuyen a la estructura organizada en el plano y

que se relacionan entre sí, favoreciéndose, complementándose o

contraponiéndose. Los conceptos que se van a explicar no son

los únicos, ni tampoco son principios aislados, pues muchas veces

se complementan y en otras ocasiones son dependientes entre

sí. Aunque no representan reglas absolutas o fijas, pueden

ayudar a comprender la manera de organizar de forma coherente

los elementos en un diseño, teniendo siempre en cuenta que el

proceso puede llevarse a cabo de modos muy diversos.

PROPORCIÓN, ESCALA Y DIMENSIÓN

La proporción, asociada a la escala y a la dimensión, es

uno de los factores más importantes para establecer la relación

de las partes respecto al todo. Esto indica que los elementos se

deben estructurar siguiendo unas relaciones de tamaño que mantengan

el equilibrio y la coherencia visual. La proporción es una

magnitud visual que puede apreciarse sin necesidad de cálculos

o medidas: según el contexto, algunas proporciones gustan y otras

disgustan, pero lo cierto es que la estructura de una composición

se ve marcada por este factor.

La proporción en las artes visuales ha sido objeto de muchos

estudios y constantes reinterpretaciones, pues, cuando se habla

de proporciones equilibradas se piensa en la proporción áurea o

el número de oro, al que se le asigna un valor de 1,618. Esta

proporción es la división armónica de una recta, que se expresa

así: al cortar una línea en dos partes desiguales, el segmento menor

debe ser al segmento mayor, como éste a la totalidad de la recta.

Esta relación entre medidas, trasladada a la construcción de un

rectángulo áureo, determina que el lado menor sea proporcional

al mayor, y aunque el rectángulo varíe de tamaño no varía su

proporcionalidad (cambio de escala). Esta proporción, que fue

desarrollada en la antigua Grecia, aunque ya se conocía en Egipto,

se obtiene a partir de una sencilla fórmula de comparación que se

La composición de un diseño gráfico conlleva

un estudio de las relaciones entre los

elementos que se van a disponer en él.

 Esta relación de medidas, extraída a partir de estudios

matemáticos que relacionan la geometría con la belleza natural

se plantea como un patrón de armonía y buenas proporciones, de

perfección. Este factor se utiliza en algunos diseños, si bien la

libertad en cuanto al método de asignar medidas y de disponer

los distintos elementos en una composición, hace que se puedan

desarrollar muchas otras composiciones proporcionadas en un

diseño gráfico.

El tamaño de las cosas es relativo, pues siempre va a depender

de los elementos con los que se relacione. La elección de

un tamaño mayor o menor implica inevitablemente la comparación

de dimensiones entre los elementos utilizados, con lo que se

establecen tensiones que modifican la percepción del conjunto y,

con ello, su significado. Se considera que las formas pequeñas

poseen menor peso visual que las grandes, aunque éste aumenta

cuanto más irregulares sean las formas. Por este mismo principio,

los elementos pequeños parecen más débiles y delicados, más

lejos, mientras que los grandes se potencian aún más, se expanden

y se aproximan.

El concepto de escala interviene cuando se establecen relaciones

de proporcionalidad entre los elementos de una composición.

La escala posibilita la modificación de un objeto sin que se

vean afectados sus rasgos estructurales ni cualquier otra propiedad

del mismo, excepto su tamaño. Esto implica que un elemento

gráfico puede variar de tamaño sin cambiar la forma ni la estructura

respecto a las dimensiones fijas del soporte o de otros elementos,

en función de una razón matemática. Se entiende así que dos

formas son semejantes cuando son iguales en proporciones, aunque

su posición o su tamaño sean distintos. Pero también puede

tratarse de una variación de un grupo de elementos que se escalan

respecto a otro que los contiene sin perder sus proporciones.

Es, por ejemplo, el caso de las plantas arquitectónicas, cuyas dimensiones

no se podrían plasmar sobre un papel, por grande que

fuera, y así se establece una reducción (escala reductora), aunque

también se emplean escalas de ampliación en otras expresiones

gráficas (planos de objetos industriales diminutos). En resumen,

la escala, puede modificar el tamaño de un elemento, pero

no la proporción de sus partes constituyentes.

EQUILIBRIO

No siempre se aplica este concepto en el ámbito

del diseño gráfico, pues, en raras ocasiones se emplea

intencionadamente el desequilibrio con el fin de

obtener algún efecto concreto sobre el espectador,

sobre todo cuando se pretende inquietarlo por alguna

razón. Una composición desequilibrada parece accidental,

transitoria y desconcertante. Sus elementos

muestran una tendencia a cambiar de lugar y de forma

para alcanzar un estado que concuerde mejor con

la estructura global. Es así como, de forma intuitiva,

nuestro pensamiento intenta organizar lo que se percibe

a través de los ojos para construir un equilibrio.

El equilibrio es un hecho físico propio de nuestra anatomía

y nos permite sentir la orientación de nuestro

cuerpo respecto al entorno, así como la situación de

los elementos que manejamos o vemos en relación a

nuestra simetría humana. Pero también es una ciencia

que nos ofrece información acerca de la colocación

de pesos, magnitudes y masas en el mundo que

vivimos. Trasladando estas percepciones, se alcanza

a comprender que el equilibrio compositivo no es más

que una aplicación razonada de nuestras sensaciones

intuitivas.

El equilibrio en el diseño gráfico, como en otras artes visuales,

se puede conseguir de muchas maneras, tratando de buscar

la compensación entre los elementos como si de una balanza se

tratara. Surge entonces el concepto de peso visual, equivalente al

peso físico, pero más subjetivo, ya que está sometido a parámetros

perceptivos, socioculturales y emocionales. Aún así, el peso

visual es un término que identifica la propiedad de aumentar o

disminuir el equilibrio de los elementos porque ejerce una fuerza

óptica. Aparte de su atracción y fuerza, el peso visual depende de

varios factores:

• La distancia del elemento al centro: cuanto más cerca más peso.

• El tamaño del elemento: en igualdad de condiciones, el elemento

mayor tendrá mas peso.

• La forma, la textura y el color de los elementos: el efecto texturado

aumenta el peso, así como los elementos irregulares y

los colores cálidos.

• La ubicación arriba-abajo: un elemento pesará más cuanto más

elevado esté.

• La ubicación izquierda-derecha: un elemento pesará más a la

derecha que a la izquierda.

• La relación de espacio respecto al elemento: cuando se encuentra

aislado pesa más que rodeado de otros elementos.

• La percepción del peso visual puede estar influida también por

el estado de ánimo o la emotividad del espectador.

El equilibrio es un concepto muy importante en el mundo

de las artes visuales y, por supuesto, del diseño gráfico.

Una composición basada en elementos que se combinan e

interaccionan entre sí sobre un plano debe tener presente

el peso visual que permite equilibrar el conjunto. El esquema

superior permite considerar que, básicamente, en

un soporte bidimensional, la zona superior ejerce un mayor

peso visual que en la zona inferior (viñeta izquierda),

mientras que la zona izquierda tiene menor peso que la

zona de la derecha (viñeta derecha).

No obstante, hay otros condicionantes que pueden variar

este principio general: el color o la textura de los objetos,

el tamaño, el color del fondo o las direcciones marcadas

por las tensiones entre los elementos.

En cualquier caso, la manera de medir el peso de

las formas y líneas del diseño se realiza mediante el análisis

de la importancia visual de éstos dentro de la composición,

intentando equilibrar los elementos de mayor

importancia, con los de menor importancia, y los de mayor

peso con los de menor. La experiencia contribuye,

además, a mejorar la capacidad de estructurar las relaciones

de peso visual entre los elementos gráficos.

Por lo general, se establecen dos tipos de equilibrio

visual principales: el equilibrio simétrico y el equilibrio

asimétrico.

• EQUILIBRIO AXIAL O SIMÉTRICO: se genera un equilibrio

simétrico cuando se divide una composición en

dos partes iguales, dando lugar a la igualdad de color,

textura, formas, tamaño y estructura (simetría especular).

Ningún elemento sobresale más que otro

respecto a su correspondiente simétrico y todo parece

en perfecto orden. Esta regularidad constituye un

factor estético de armonía utilizada en numerosas expresiones

creativas del ser humano, pero la presencia

de la simetría puede resultar excesivamente monótona

y previsible, pues no permite la interpretación

activa del espectador, ni despierta la sensación dinámica

del mensaje visual. Esto no quiere decir, por otro

lado, que el equilibrio creado por la simetría sea poco

sugestivo, pues a menudo evaluamos el atractivo visual

de un objeto por su simetría.

• EQUILIBRIO OCULTO O ASIMÉTRICO: se produce

cuando a cada lado de la división imaginaria de una

composición los elementos no se corresponden en

tamaño, color, forma, color o estructura (no existe la

simetría especular), pero sí se advierte una impresión

de equilibrio entre los elementos. Al haber diferentes

pesos visuales a cada lado del eje, el efecto ejerce

una mayor impresión de actividad, provoca sensaciones

más vitales, más dinámicas, y consigue evitar la

monotonía. Cuando en el aparente desorden, los elementos

que se distribuyen en la composición se contraponen

y se contrarrestan unos a otros tratando de

mantener un estado de equilibrio de pesos visuales,

direcciones y tensiones, el efecto visual del conjunto

aparecerá más rico en matices y más atrayente en su

apreciación.

El grado de dominio del lenguaje visual en la articulación

de los elementos de la composición asimétrica

determinará la calidad del diseño, pues en un esquema

de equilibrio asimétrico se puede caer fácilmente

en el error de agrupar desordenadamente los elementos

provocando el caos o la ambigüedad, perjudicando

y degradando los criterios básicos de la comunicación

visual.

MOVIMIENTO-DINAMISMO

El equilibrio no implica ausencia de movimiento. Una imagen

estática, como una composición pictórica o un diseño gráfico,

puede implicar sensaciones de movimiento como respuesta al

énfasis y a la intención del diseño elaborado. En el proceso de la

visión, la mirada indaga constantemente sobre todo lo que se percibe

en el entorno, acaparando numerosa información visual. El

hecho de leer implica el seguimiento ocular mediante una secuencia

organizada, la imagen fotográfica o artística fuerza al espectador

a determinar un seguimiento de los puntos de atención que

surgen de los elementos y de las formas que la componen… Sin

duda, la percepción del movimiento visual influye en las sensaciones

motoras inconscientes y se convierten en un juego dinámico

de tensiones que se pueden disponer con una finalidad precisa.

Se puede «obligar» al espectador a seguir una dirección concreta,

a sentir el movimiento de la composición, gracias a una distribución

efectiva del peso visual de los elementos y de la ubicación

o disposición de éstos en un determinado lugar del plano gráfico.

En muchas composiciones se busca crear tensión mediante

el desequilibrio del orden configurado, obteniendo con los mismos

elementos un gran número de efectos diferentes al modificar

algunas de sus propiedades o ubicación en el espacio.

ALTERNANCIA Y RITMO

La variación de las formas y sus propiedades expresivas

(color, textura, tamaño, etc.), aparte de dinamizar la composición,

reduce la monotonía visual. Este principio conjuga dos conceptos,

la alternancia y el ritmo, que constituyen un medio de crear

orden en una composición. La alternancia, que implica continuidad

en la repetición de una forma, crea un ritmo que puede producir

diferentes sensaciones estéticas según se presente, desde algo

armónico, pausado y sencillo, hasta algo turbulento, dinámico y

desconcertante.

El ritmo forma parte de nuestras vidas de forma natural: los

latidos del corazón, los pasos que damos al caminar, el parpadeo

de nuestros ojos… Pero también de otras muchas actividades creadas

por el ser humano: la música, el tic-tac del reloj o el sonido de

una sirena, y, por supuesto, en las composiciones visuales

Quizá debido a esto, el espectador puede llegar a identificar 
un ritmo compositivo con aspectos emocionales o con sensaciones 
cinestésicas (de movimiento)

de diferente apreciación, dependiendo de la disposición, de la

forma, de la densidad, o del color de los elementos empleados.

En cuanto a sus posibilidades de expresión, se plantean dos

maneras de diferenciar los tipos de ritmo en una composición:

• Ritmo monótono o por alternancia: se caracteriza por su disposición

de elementos iguales a intervalos constantes, llegándose

a considerar tan natural o común que el observador no

llega a percibirlo (bajo estas líneas, a la izquierda).

• Ritmo dinámico: presenta elementos iguales a intervalos diferentes,

o elementos desiguales a intervalos iguales o desiguales,

que pueden crecer o decrecer en dimensiones, o pueden

cambiar de color o de textura gráfica. Sobre estas líneas, a la

derecha, se ven dos maneras diferentes de expresar un ritmo

dinámico a partir del ritmo monótonos

CONTRASTE

El contraste es un efecto que permite resaltar el peso visual

de uno o más elementos que forman parte de una composición.

Desde el momento en que se coloca un elemento sobre el soporte

bidimensional (cartel, carátula, etc.) se genera un contraste. No

obstante, en una composición se consigue este contraste, sobre

todo, mediante el enfrentamiento o la divergencia que se aprecia

entre los elementos gráficos utilizados, forzando a dirigir la atención

del espectador hacia ellos. Un tira y afloja virtual marcado

por las variantes de color, textura, tamaño, orientación, etc. que

se puede articular de múltiples maneras, como la imagen sorprendente

del chocolate Milka al mostrar una vaca pintada de color

violeta sobre la que se escribe la marca del producto.

Los contrastes más usuales son:

• Contraste de valor: cuando se utilizan valores opuestos o extremos

de claridad-oscuridad. En este caso, el elemento de

color más oscuro tendrá mayor peso tonal, destacando así el

más claro, tanto más cuanta mayor diferencia de valor exista

entre ambos. A medida que se disminuye el valor del elemento

más oscuro respecto al claro, el contraste disminuye, con lo

cual, si se pretende mantener la fuerza expresiva de la diferencia

lumínica, habrá que aclarar más el elemento contrapuesto

o ampliar su tamaño.

• Contraste de colores: de las propiedades del color (tono, valor

y saturación) el tono o tinte es el responsable de ofrecer

mayor contraste. Dos elementos de colores complementarios

se potencian el uno al otro, lo mismo que el caso de un color

cálido frente a uno frío. El efecto de contraste creado entre dos

colores aumentará cuanto más contrapuestos se hallen dentro

del círculo cromático, al contrario que los análogos, más cercanos

en el círculo cromático. En el ejemplo que mostramos, a

la derecha, el cartel Necesitamos sangre expresa a través del

color una asociación mental con la sangre, ampliando su fuerza

visual con un ritmo muy dinámico de formas circulares que

disminuyen mientras se elevan sobre un fondo azul que fuerza

el contraste.

• Contraste de texturas: un elemento con textura gráfica fina

contrastará respecto a otra con textura gruesa, resaltando la

de mayor grano. Además del tamaño de la textura, la densidad,

la direccionalidad o el tipo de variante generarán contrastes

de textura según la disposición y la amplitud de los elementos.

• Contraste de contornos: los contornos irregulares destacan

sobre las formas regulares, más fáciles de reconocer. Una forma

abstracta y desigual atraerá más la atención que una forma

geométrica sencilla, al igual que las texturas. Igualmente, la

tipología del contorno (quebrado, ondulado, almenado, etc.)

intensificará en mayor o menor grado el contraste cuando se

yuxtapongan, siendo más poderosas las líneas angulosas y

agudas, un método muy utilizado para destacar la importancia

de una oferta en cualquier producto (imagen inferior).

• Contraste de escala: se produce mediante la contraposición

de elementos a diferentes escalas de lo habitual, o por medio

del uso de proporciones inauditas. Al generar un desconcierto

sobre el espectador, acostumbrado a ver las cosas a una escala

concreta, se logra llamar su atención y presentar un contraste

discordante de gran interés visual.

• Contraste de posición y orientación: cuando en un grupo de

elementos iguales o similares una forma cambia de orientación

respecto al conjunto, puede marcar una discrepancia que

suponga un contraste respecto al orden establecido. De este

modo genera un conflicto visual al oponerse a un conjunto de

elementos organizados de otro modo. En la imagen de la izquierda,

los pictogramas se organizan en filas y columnas formando

un entramado homogéneo de siluetas verticales, pero

una de ellas destaca entre todas por su orientación, individualizándose

y atrayendo la atención.

El contraste puede ayudar a provocar énfasis en una composición,

forzando la atención del espectador o lector y así tratar

de hacerle llegar el mensaje de una manera más directa y dinámica

o transmitiéndole diversos significados al mismo tiempo.

UNIDAD

Cuando se logra la unidad en una composición, no es posible

mover o sustituir o eliminar sus elementos sin que el conjunto

quede perjudicado por alteraciones o desintegraciones. Esto quiere

decir que a través de la unidad, el diseño o la composición expresa

una idea integradora, una idea única y coherente. Esta idea

debe prevalecer en la relación e interacción que desarrollen los

diferentes elementos que forman parte de un todo. Así, todos los

elementos que constituyen e interactúan en una composición, independientemente

de su condición formal, deben relacionarse de

manera recíproca tratando de mantener la estabilidad general

apoyándose los unos a los otros en beneficio del conjunto. Esta

propiedad, que abarca el principio fundamental de adecuación a

la finalidad del diseño, es una cualidad básica e importante de

toda composición. La incoherencia, la disgregación por falta de

unidad, podría pervertir la organización espacial, y, con ello, la

intención del significado expresivo del mensaje visual.

MODULACIÓN Y ESTRUCTURAS RETICULARES

Además de los principios compositivos que propician una

organización estructurada e inteligible, existen unos métodos compositivos

basados en la repetición de elementos (módulos) sobre

estructuras geométricas simples (redes básicas) que pueden, utilizando

parámetros de deformación definidas por el diseñador,

variar en complejidad. Las retículas, a su vez, sirven para diferenciar

espacios en los que se ubicarán textos, imágenes, formas y

otros elementos gráficos para dar cuerpo a la maquetación de

textos, de catálogos, de páginas web, etc.

MODULACIÓN

El diseño modular es una técnica ancestral que se viene utilizando

tanto como superficies decorativas en la arquitectura como

en variados objetos elaborados por el ser humano (vasijas, tejidos,

etc.). La modulación se fundamenta en el uso repetitivo de

un elemento estructural, llamado módulo, que alcanza a cubrir

una superficie mediante una estructura invisible que organiza el

espacio visual, llamada a veces retícula. Aunque no siempre se

emplea esta estructura o red sobre la que se disponen los módulos

repetidos, en muchas ocasiones esta partición regular del plano

juega un papel fundamental para conseguir el efecto de modulación

requerida.

Las tramas invisibles que ayudan a disponer los módulos o

la creación de los mismos, no son tampoco invariables y se pueden

deformar de muchas formas (estirar, torsionar, combinar, etc.) para

animar y diversificar la expresión de la composición.

Existen módulos muy complejos diseñados para el mundo

de las artes plásticas, de la arquitectura y de la ingeniería y es

posible crear disposiciones múltiples que crean juegos rítmicos

ornamentales. La aplicación de la modulación suele ser más útil

para unos trabajos que para otros, pero, por ejemplo, resulta ineludible

en el diseño de señalización, de revestimientos cerámicos

y de paneles informativos y en el diseño de prensa, aunque

no es necesario aplicarla a un logotipo o a un envase.

RETÍCULAS

La retícula es una herramienta invisible pero perceptible, sobre

la cual se distribuyen los diferentes elementos gráficos, pero

también es un método que proporciona una estructura para construir

elementos, tal como se ha dicho antes. Sirve para organizar,

configurar y conseguir una mejor visualización o comunicación

visual mediante soluciones rápidas, seguras y legibles.

Aunque en ocasiones se confunden los términos

red o malla con retícula para definir la estructura

básica para la modulación, cuando se habla de

diseño gráfico o comunicación visual, la retícula es

el sistema que estructura y planifica la distribución

de la información en fragmentos manejables para

orientar al espectador a encontrar la información

apropiada. Es decir, que sirve de guía y constituye

un principio organizador que mantiene el sentido del

orden y lo transforma en parte sustancial del diseño.

Las retículas más comunes se forman a base de

columnas, márgenes y espacios horizontales, en

campos que puedan acoger cualquiera de los elementos

del diseño. Además, hay retículas apropiadas

para la modulación de la publicidad o para otro

tipo de publicaciones especiales.

Trabajar con una estructura previa de página y utilizarla como

guía para colocar los elementos aporta beneficios, tanto al diseñador,

como al lector, pues así se evita el desorden y se mantiene

equilibrado el conjunto en una unidad coherente.

Gracias a las retículas y a las plantillas, el espacio gráfico

está dirigido por una serie de relaciones entre las partes y el todo

que suponen una mejora de la distribución y estructuración de los

bloques de texto, de los títulos, los subtítulos y todos los elementos

gráficos que se incorporen para manifestar un contenido que

ha de ser comprendido y con el estilo que se pretende comunicarlo.

Según lo que se estime adecuado para la publicación, se tienen

en cuenta unos condicionantes básicos, pero variables, que

influyen en el proceso de creación de la retícula:

• El espacio disponible según el formato.

• El número de fotografías e imágenes por página y el tipo de

tipografía.

• Prioridades de comunicación (lo que se pretende expresar, cómo

se quiere mostrar y a quién va dirigido).

En todo caso, las alternativas y posibilidades de composición

son tan diversas, que se delega en el diseñador la flexibilidad

de los casos particulares, una vez establecidas las pautas y

requerimientos para el diseño final.

CONSIDERACIONES Y DECISIONES

Después de haber visto los principios básicos de composición

de los elementos gráficos y las cuestiones más relevantes en torno

al proceso del diseño gráfico, es conveniente conocer algunas

consideraciones sobre los requerimientos generales del

proceso, antes de empezar a diseñar:

• Es imprescindible tener los datos del formato del soporte

(tarjetas, folletos, carteles, etc.).

• Se debe tener la máxima información posible sobre el

tema (idea, empresa, imagen...) que se va a transmitir.

• Hay que conocer el segmento de población al que va

dirigido y tener definido el ámbito geográfico que se

pretende cubrir (local, provincial, nacional, internacional).

• Es necesario seleccionar los elementos que se van a

utilizar y determinar el lugar que ocuparán, pues debe

justificarse la utilidad real de cada uno de ellos en la

composición final.

• Conviene definir las partes ocupadas por los elementos

y las que quedarán libres, garantizando un equilibrio

visual que impida el sobrecargamiento o la descoordinación.

• Como en todo diseño, es recomendable preparar unos

bocetos iniciales sobre la composición, probando diferentes

opciones con cambios de ubicación, de tamaño,

de colores, etc. de los elementos gráficos, para

perfeccionar el impacto visual y la calidad del diseño

en todas sus dimensiones semánticas y comunicativas.

• Saber el tipo de material en que se reproducirá el diseño

ayuda a concretar lo que se intenta comunicar.

Después de haber acotado los condicionantes citados,

las ideas estarán sometidas a unos límites dentro de

los cuales el ingenio y la creatividad se encargarán de

ofrecer las posibilidades de expresión más originales y

convincentes. En la interpretación final del mensaje no

sólo interviene la colocación de los distintos elementos,

sino la percepción final que tenga el destinatario (espectador

o lector). Para ello, se entiende que el diseñador es

conocedor de las características perceptivas de los usuarios

en los siguientes términos:

• Elección de los elementos gráficos en función de aspectos

psicológicos de la percepción humana y de las

significaciones culturales que pueden tener ciertos elementos

(colores, orden de lectura, simbolismo, iconografía,

etc.), buscando un equilibrio lógico entre las

sensaciones visuales y la información ofrecida.

• Concienciación respecto a los mecanismos de percepción

visual y de la interpretación de trazos, texturas,

colores, etc. para alcanzar la máxima eficacia comunicativa

en la transmisión del mensaje por medio de una

composición que impacte visualmente al espectador y

le haga receptivo.

• Percepción de experiencias derivadas del entorno y

de la propia existencia, como las asociaciones de calor-

rojo o noche-oscuro, que pueden ser utilizadas en

la expresión del mensaje visual con intención evocativa.

Además de las retículas y otras líneas de guía que puedan

servir para planificar el diseño gráfico, la textura,

la tipografía, el color, etc. son, en todo caso, los elementos

que producen las sensaciones visuales más fuertes

de la comunicación visual. Eso sí, siempre es conveniente

apoyar dichos elementos sobre una estructura

equilibrada que permita potenciar lo que habrá de

verse finalmente.

Por otro lado, es oportuno entender que el diseño tiene

un público variado y no sirven los mismos recursos

para atraer a todo el mundo. Hay diseños para adultos,

y diseños para niños.

Bibliografía: FUNDAMENTOS DEL DISEÑO, de José Luis Navarro Lizandra.